Kathakali es un estilo de danza teatro clásico de la zona de Kerala, al sur de la India. En ella los cantantes narran leyendas hindúes (provenientes del Mahabharata, del Ramayana y del Bagavata Purana) que los bailarines/actores personifican en escena mediante un complejo lenguaje de nrta (pasos de danza), mudras (gestos de las manos) y navarasya
(expresiones del rostro). Por la tradición, el kathakali se ejecuta en
festivales que duran toda una noche en los templos hinduistas.
El kathakali pertenece a la vertiente tandava (masculina) de la danza clásica india, por lo que tradicionalmente todos los personajes son representados por hombres.
Los bailarines de kathakali aprenden a controlar los músculos
faciales. Algunos maestros tienen tan buen control que pueden reírse con
un solo lado de la cara.
j
LA OPERA XINA:
La
ópera china es una de las manifestaciones más representativas de la
cultura de éste enorme país asiático. Lo que fue inicialmente un
espectáculo sólo para emperadores, acabó después convirtiéndose en una
de las representaciones artísticas más queridas para pueblo chino.
Una ópera china es un conjunto de disciplinas artísticas y técnicas en
el que cabe la declamación, la actuación, la música, la mímica, la
acrobacia o las artes marciales, entre otras. Los argumentos son de lo
más variado, aunque la mayoría de ellos giran en torno a una leyenda, a
un hecho histórico muy popular, a intrigas de la corte o de la nobleza, a
hazañas militares o a sátiras sobre héroes populares y su relación con
el poder y con el pueblo.
Todo es importante en una ópera china: el libreto, que debe ser
brillante y conmovedor; la voz, que debe ser clara, diáfana, potente, o
de falsete, según los personajes; la actuación de los actores, que debe
ser impecable; la ejecución de los gestos de las manos, que debe ser
todo un arte; la música, que debe ser propia de virtuosos; el
maquillaje, que debe definir perfectamente a cada personaje, así como
sus inclinaciones, cambios, decisiones y estados de ánimo.
Todos los elementos puestos en escena hacen de la ópera china un
espectáculo tan singular y de tal potencia artística, que deja una
huella imborrable en aquellos que sólo pueden verlo y disfrutarlo de
forma ocasional.
Kathakali es un estilo de danza teatro clásico de la zona de Kerala, al sur de la India. En ella los cantantes narran leyendas hindúes (provenientes del Mahabharata, del Ramayana y del Bagavata Purana) que los bailarines/actores personifican en escena mediante un complejo lenguaje de nrta (pasos de danza), mudras (gestos de las manos) y navarasya
(expresiones del rostro). Por la tradición, el kathakali se ejecuta en
festivales que duran toda una noche en los templos hinduistas.
El kathakali pertenece a la vertiente tandava (masculina) de la danza clásica india, por lo que tradicionalmente todos los personajes son representados por hombres.
Los bailarines de kathakali aprenden a controlar los músculos
faciales. Algunos maestros tienen tan buen control que pueden reírse con
un solo lado de la cara.
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LA OPERA XINA:
La
ópera china es una de las manifestaciones más representativas de la
cultura de éste enorme país asiático. Lo que fue inicialmente un
espectáculo sólo para emperadores, acabó después convirtiéndose en una
de las representaciones artísticas más queridas para pueblo chino.
Una ópera china es un conjunto de disciplinas artísticas y técnicas en
el que cabe la declamación, la actuación, la música, la mímica, la
acrobacia o las artes marciales, entre otras. Los argumentos son de lo
más variado, aunque la mayoría de ellos giran en torno a una leyenda, a
un hecho histórico muy popular, a intrigas de la corte o de la nobleza, a
hazañas militares o a sátiras sobre héroes populares y su relación con
el poder y con el pueblo.
Todo es importante en una ópera china: el libreto, que debe ser
brillante y conmovedor; la voz, que debe ser clara, diáfana, potente, o
de falsete, según los personajes; la actuación de los actores, que debe
ser impecable; la ejecución de los gestos de las manos, que debe ser
todo un arte; la música, que debe ser propia de virtuosos; el
maquillaje, que debe definir perfectamente a cada personaje, así como
sus inclinaciones, cambios, decisiones y estados de ánimo.
Todos los elementos puestos en escena hacen de la ópera china un
espectáculo tan singular y de tal potencia artística, que deja una
huella imborrable en aquellos que sólo pueden verlo y disfrutarlo de
forma ocasional.
Kathakali es un estilo de danza teatro clásico de la zona de Kerala, al sur de la India. En ella los cantantes narran leyendas hindúes (provenientes del Mahabharata, del Ramayana y del Bagavata Purana) que los bailarines/actores personifican en escena mediante un complejo lenguaje de nrta (pasos de danza), mudras (gestos de las manos) y navarasya
(expresiones del rostro). Por la tradición, el kathakali se ejecuta en
festivales que duran toda una noche en los templos hinduistas.
El kathakali pertenece a la vertiente tandava (masculina) de la danza clásica india, por lo que tradicionalmente todos los personajes son representados por hombres.
Los bailarines de kathakali aprenden a controlar los músculos
faciales. Algunos maestros tienen tan buen control que pueden reírse con
un solo lado de la cara.
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LA OPERA XINA:
La
ópera china es una de las manifestaciones más representativas de la
cultura de éste enorme país asiático. Lo que fue inicialmente un
espectáculo sólo para emperadores, acabó después convirtiéndose en una
de las representaciones artísticas más queridas para pueblo chino.
Una ópera china es un conjunto de disciplinas artísticas y técnicas en
el que cabe la declamación, la actuación, la música, la mímica, la
acrobacia o las artes marciales, entre otras. Los argumentos son de lo
más variado, aunque la mayoría de ellos giran en torno a una leyenda, a
un hecho histórico muy popular, a intrigas de la corte o de la nobleza, a
hazañas militares o a sátiras sobre héroes populares y su relación con
el poder y con el pueblo.
Todo es importante en una ópera china: el libreto, que debe ser
brillante y conmovedor; la voz, que debe ser clara, diáfana, potente, o
de falsete, según los personajes; la actuación de los actores, que debe
ser impecable; la ejecución de los gestos de las manos, que debe ser
todo un arte; la música, que debe ser propia de virtuosos; el
maquillaje, que debe definir perfectamente a cada personaje, así como
sus inclinaciones, cambios, decisiones y estados de ánimo.
Todos los elementos puestos en escena hacen de la ópera china un
espectáculo tan singular y de tal potencia artística, que deja una
huella imborrable en aquellos que sólo pueden verlo y disfrutarlo de
forma ocasional.
Kathakali es un estilo de danza teatro clásico de la zona de Kerala, al sur de la India. En ella los cantantes narran leyendas hindúes (provenientes del Mahabharata, del Ramayana y del Bagavata Purana) que los bailarines/actores personifican en escena mediante un complejo lenguaje de nrta (pasos de danza), mudras (gestos de las manos) y navarasya
(expresiones del rostro). Por la tradición, el kathakali se ejecuta en
festivales que duran toda una noche en los templos hinduistas.
El kathakali pertenece a la vertiente tandava (masculina) de la danza clásica india, por lo que tradicionalmente todos los personajes son representados por hombres.
Los bailarines de kathakali aprenden a controlar los músculos
faciales. Algunos maestros tienen tan buen control que pueden reírse con
un solo lado de la cara.
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LA OPERA XINA:
La
ópera china es una de las manifestaciones más representativas de la
cultura de éste enorme país asiático. Lo que fue inicialmente un
espectáculo sólo para emperadores, acabó después convirtiéndose en una
de las representaciones artísticas más queridas para pueblo chino.
Una ópera china es un conjunto de disciplinas artísticas y técnicas en
el que cabe la declamación, la actuación, la música, la mímica, la
acrobacia o las artes marciales, entre otras. Los argumentos son de lo
más variado, aunque la mayoría de ellos giran en torno a una leyenda, a
un hecho histórico muy popular, a intrigas de la corte o de la nobleza, a
hazañas militares o a sátiras sobre héroes populares y su relación con
el poder y con el pueblo.
Todo es importante en una ópera china: el libreto, que debe ser
brillante y conmovedor; la voz, que debe ser clara, diáfana, potente, o
de falsete, según los personajes; la actuación de los actores, que debe
ser impecable; la ejecución de los gestos de las manos, que debe ser
todo un arte; la música, que debe ser propia de virtuosos; el
maquillaje, que debe definir perfectamente a cada personaje, así como
sus inclinaciones, cambios, decisiones y estados de ánimo.
Todos los elementos puestos en escena hacen de la ópera china un
espectáculo tan singular y de tal potencia artística, que deja una
huella imborrable en aquellos que sólo pueden verlo y disfrutarlo de
forma ocasional.
Kathakali es un estilo de danza teatro clásico de la zona de Kerala, al sur de la India. En ella los cantantes narran leyendas hindúes (provenientes del Mahabharata, del Ramayana y del Bagavata Purana) que los bailarines/actores personifican en escena mediante un complejo lenguaje de nrta (pasos de danza), mudras (gestos de las manos) y navarasya
(expresiones del rostro). Por la tradición, el kathakali se ejecuta en
festivales que duran toda una noche en los templos hinduistas.
El kathakali pertenece a la vertiente tandava (masculina) de la danza clásica india, por lo que tradicionalmente todos los personajes son representados por hombres.
Los bailarines de kathakali aprenden a controlar los músculos
faciales. Algunos maestros tienen tan buen control que pueden reírse con
un solo lado de la cara.
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LA OPERA XINA:
La
ópera china es una de las manifestaciones más representativas de la
cultura de éste enorme país asiático. Lo que fue inicialmente un
espectáculo sólo para emperadores, acabó después convirtiéndose en una
de las representaciones artísticas más queridas para pueblo chino.
Una ópera china es un conjunto de disciplinas artísticas y técnicas en
el que cabe la declamación, la actuación, la música, la mímica, la
acrobacia o las artes marciales, entre otras. Los argumentos son de lo
más variado, aunque la mayoría de ellos giran en torno a una leyenda, a
un hecho histórico muy popular, a intrigas de la corte o de la nobleza, a
hazañas militares o a sátiras sobre héroes populares y su relación con
el poder y con el pueblo.
Todo es importante en una ópera china: el libreto, que debe ser
brillante y conmovedor; la voz, que debe ser clara, diáfana, potente, o
de falsete, según los personajes; la actuación de los actores, que debe
ser impecable; la ejecución de los gestos de las manos, que debe ser
todo un arte; la música, que debe ser propia de virtuosos; el
maquillaje, que debe definir perfectamente a cada personaje, así como
sus inclinaciones, cambios, decisiones y estados de ánimo.
Todos los elementos puestos en escena hacen de la ópera china un
espectáculo tan singular y de tal potencia artística, que deja una
huella imborrable en aquellos que sólo pueden verlo y disfrutarlo de
forma ocasional.
Kathakali es un estilo de danza teatro clásico de la zona de Kerala, al sur de la India. En ella los cantantes narran leyendas hindúes (provenientes del Mahabharata, del Ramayana y del Bagavata Purana) que los bailarines/actores personifican en escena mediante un complejo lenguaje de nrta (pasos de danza), mudras (gestos de las manos) y navarasya
(expresiones del rostro). Por la tradición, el kathakali se ejecuta en
festivales que duran toda una noche en los templos hinduistas.
El kathakali pertenece a la vertiente tandava (masculina) de la danza clásica india, por lo que tradicionalmente todos los personajes son representados por hombres.
Los bailarines de kathakali aprenden a controlar los músculos
faciales. Algunos maestros tienen tan buen control que pueden reírse con
un solo lado de la cara.
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LA OPERA XINA:
La
ópera china es una de las manifestaciones más representativas de la
cultura de éste enorme país asiático. Lo que fue inicialmente un
espectáculo sólo para emperadores, acabó después convirtiéndose en una
de las representaciones artísticas más queridas para pueblo chino.
Una ópera china es un conjunto de disciplinas artísticas y técnicas en
el que cabe la declamación, la actuación, la música, la mímica, la
acrobacia o las artes marciales, entre otras. Los argumentos son de lo
más variado, aunque la mayoría de ellos giran en torno a una leyenda, a
un hecho histórico muy popular, a intrigas de la corte o de la nobleza, a
hazañas militares o a sátiras sobre héroes populares y su relación con
el poder y con el pueblo.
Todo es importante en una ópera china: el libreto, que debe ser
brillante y conmovedor; la voz, que debe ser clara, diáfana, potente, o
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ser impecable; la ejecución de los gestos de las manos, que debe ser
todo un arte; la música, que debe ser propia de virtuosos; el
maquillaje, que debe definir perfectamente a cada personaje, así como
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Todos los elementos puestos en escena hacen de la ópera china un
espectáculo tan singular y de tal potencia artística, que deja una
huella imborrable en aquellos que sólo pueden verlo y disfrutarlo de
forma ocasional.
Kathakali es un estilo de danza teatro clásico de la zona de Kerala, al sur de la India. En ella los cantantes narran leyendas hindúes (provenientes del Mahabharata, del Ramayana y del Bagavata Purana) que los bailarines/actores personifican en escena mediante un complejo lenguaje de nrta (pasos de danza), mudras (gestos de las manos) y navarasya
(expresiones del rostro). Por la tradición, el kathakali se ejecuta en
festivales que duran toda una noche en los templos hinduistas.
El kathakali pertenece a la vertiente tandava (masculina) de la danza clásica india, por lo que tradicionalmente todos los personajes son representados por hombres.
Los bailarines de kathakali aprenden a controlar los músculos
faciales. Algunos maestros tienen tan buen control que pueden reírse con
un solo lado de la cara.
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LA OPERA XINA:
La
ópera china es una de las manifestaciones más representativas de la
cultura de éste enorme país asiático. Lo que fue inicialmente un
espectáculo sólo para emperadores, acabó después convirtiéndose en una
de las representaciones artísticas más queridas para pueblo chino.
Una ópera china es un conjunto de disciplinas artísticas y técnicas en
el que cabe la declamación, la actuación, la música, la mímica, la
acrobacia o las artes marciales, entre otras. Los argumentos son de lo
más variado, aunque la mayoría de ellos giran en torno a una leyenda, a
un hecho histórico muy popular, a intrigas de la corte o de la nobleza, a
hazañas militares o a sátiras sobre héroes populares y su relación con
el poder y con el pueblo.
Todo es importante en una ópera china: el libreto, que debe ser
brillante y conmovedor; la voz, que debe ser clara, diáfana, potente, o
de falsete, según los personajes; la actuación de los actores, que debe
ser impecable; la ejecución de los gestos de las manos, que debe ser
todo un arte; la música, que debe ser propia de virtuosos; el
maquillaje, que debe definir perfectamente a cada personaje, así como
sus inclinaciones, cambios, decisiones y estados de ánimo.
Todos los elementos puestos en escena hacen de la ópera china un
espectáculo tan singular y de tal potencia artística, que deja una
huella imborrable en aquellos que sólo pueden verlo y disfrutarlo de
forma ocasional.
La zarzuela es una forma de música teatral o género musical escénico surgido en España con partes instrumentales, partes vocales (solos, dúos, coros...) y partes habladas. Su nombre procede del Palacio de la Zarzuela, nombre del pabellón de caza cercano a Madrid donde se hallaba el teatro que albergó las primeras representaciones del género.
La zarzuela se cultivó con muchos aciertos al trasladarse a Cuba, donde destacaron los compositores Gonzalo Roig y Ernesto Lecuona, y Rodrigo Prats, Eliseo Grenet y a Venezuela, con Jóse Ángel Montero y Pedro Élias Gutierrez
En Filipinas, la popularidad de las zarzuelas cedió a la indigenización de este género. Durante la colonización norteamericana, las sarswelas
(la forma indígena) fueron una forma mayor de mostrar resistencia a
fuerzas extranjeras. Honorata 'Atang' de la Rama fue conocida como la
Reina de la Sarswela Filipina. Esta forma de la Arte se llama también zarzuelta en varios lugares del país.
La zarzuela es la forma española de la Opereta, representación teatral que, a diferencia de la ópera, no es totalmente musical sino que alterna partes habladas y partes musicales.
ZARZUELAS POPULARES ESPAÑOLAS:
EL TAMBOR DE GRANADEROS (1894)
LA BODA DE LUIS ALONSO (1897)
EL NIÑO JÚDIO (1918)
LA LEYENDA DEL BESO (1924)
DON MANOLITO (1943)
Ópera designa, desde aproximadamente el año 1650, un género de música teatral
en el que una acción escénica es armonizada, cantada y tiene
acompañamiento instrumental. Las representaciones son ofrecidas
típicamente en teatros de óperas, acompañados por una orquesta o una agrupación musical. menor. Forma parte de la tradición de la música clásica en europa u occidental.
En la ópera se
pueden distinguir las siguientes partes:
OBERTURA: Es la parte inicial de
una ópera. Es instrumental. Normalmente es breve y sirve como introducción
al espectáculo. La música comienza con el telón cerrado, que se abre en el
transcurso de la obertura para que los espectadores tengan su toma de
contacto con el escenario.
RECITATIVOS: Son partes cantadas
por solistas en las que se desarrolla la acción. Para que esto sea posible
se debe realizar con un texto casi declamado y sin adornos. Existen dos
tipos de recitativo: Secco ( acompañamiento sólo de bajo continuo) o
Acompagnato (con acompañamiento de orquesta).
ARIAS: Son las partes más
importantes y más vistosas de la ópera. Realizadas por solistas; ahora la
acción se para y el cantante expresa sus sentimientos por medio del
lucimiento de su voz. Es el máximo exponente de la monodía acompañada.
COROS: Son fragmentos en los que
canta un numeroso grupo de personajes.
INTERLUDIOS: Partes
instrumentales que se intercalan entre todos los fragmentos anteriores.
También se denominaron "ritornellos".
Además de estos
apartados, en la ópera también puede haber dúos, tríos,...
En la ópera
participaban muchísimos personajes: los músicos de la orquesta, los cantantes
del coro, extras que no cantaban,... Entre los
personajes que más sobresalían en las óperas figuran los castrati. Pincha aquí
para conocer algunos datos sobre LOS CASTRATI.
La música de Jazz llegó a Europa en tiempos de la Primera Guerra Mundial. Londres y París recibieron los nuevos ritmos con los brazos abiertos y los incluyeron rápidamente. Así una música nacida con toda seguridad en los estratos sociales más bajos y carentes de cultura del sur de EE. UU., pasó a ser una música culta, casi intelectual en Europa. Compositores tales como Debussy o Ravel, incluyeron aromas del primitivo jazz en sus composiciones, dándole a esa música el respaldo intelectual que no podían otorgarle los salones de baile que la acogieron inicialmente.
En España, la primera referencia directa real al jazz data de 1929, cuando Sam Wooding y sus "Chocolate Kiddies", actuaron en Madrid, San Sebastián y Barcelona, ciudad esta en la que incluso grabaron un disco. También en 1929, en la Exposición Universal de Barcelona, actuó la orquesta británica de Jack Hilton, y luego la orquesta de Harry Flemming, que incluía a músicos como el trompetista Tommy Ladnier. No obstante, hubo algunos precedentes, comenzando por la locura del ragtime, que se adueñó de salones de baile. La eclosión de los ritmos y músicos de jazz afro-americano en Europa en los años 1914 a 1929, coincidió en nuestro país con el periodo de la dictadura de Primo de Rivera y la generación de 1927. En esta época, en los bajos del Hotel Palace, en el Rector's Club, solía tocar una "orquesta de negros".
El fox-trot, fue la carta de la que se sirvió el jazz para hacer su presentación en sociedad. Ragtime, rumba-habanera, fox-trot, charlestón y demás ritmos nacidos del árbol musical afro-americano mantienen similitudes incuestionables desde su origen común urbano. Conservan en su esquema formal, rítmico e instrumental, el sedimento de lo español y africano, y su singularidad le viene de la utilización por el intérprete de la síncopa y el acento desplazado, recursos rítmicos que provienen de la música africana. Todas tuvieron que ver con el nacimiento del jazz. Casi todos los músicos de entonces confirman la latinidad y españolidad del jazz en sus orígenes remotos. Aquel impulso renovador de los ambientes musicales alumbró una primera generación de practicantes. Barcelona contó con el primer nombre del jazz español: Miguel Torné, que desplegaba todo un conjunto de instrumentos: esquilas, flautas de válvulas o jazz-flutes, serruchos, xilofones diatónicos... De Isidro Paulí se dice que, en el año 1919, presentó por vez primera en Barcelona un instrumento musical entonces inédito: la batería. En aquella época, a este instrumento se le llamaba jazz band. Hubo otros músicos no menos importantes, pioneros del jazz bandismo: Jesús Guridi y José Iturbi.
El Jazz Fusion es un género musical que combina elementos del Jazz con otros estilos de la música, particularmente pop , rock , folk , polka , reggae , R&B , hip hop , soul y/o música electrónica. Los álbumes de Fusion - incluso los que hayan sido hechos por un mismo artista- incluyen a menudo una variedad de estos estilos musicales.
A finales de los años 60, los músicos del jazz comenzaron a mezclar las formas y las técnicas improvisational del jazz con los instrumentos eléctricos del rock, los ritmos del soul y ritmos del blues. Al mismo tiempo, alguno artistas del rock comenzaron a agregar elementos del jazz a su música. Los años 70 fueron la década más visible para la fusión, pero el estilo ha estado también bien representado durante épocas más recientes.
Más que un estilo musical codificado, la fusión se puede ver como una tradición o acercamiento musical. Una cierta música progresiva del rock también se suele considerar como Fusion. La música de la Fusion es típicamente instrumental (es decir, sin voz), aunque algunos subestilos contienen partes vocales; a menudo contiene formas complejas de tempo , métrica y patrones rítmicos , con longitudes extendidas de la pista, ofreciendo improvisaciones muy largas. Los músicos del Fusion son reconocidos por tener un alto nivel de virtuosisimo, combinado con composiciones complejas e improvisación musical en los metros, vistos raramente en otras formas musicales occidentales, salvo en el Jazz.
Miles Davis , es recordado por muchos aportes a la música. Pero, en particular por su álbum Kind of Blue, de 1959, que cambio la ruta del Jazz para siempre. Solo con los acordes menores y mayores, pero manejando increiblemente las escalas y creando infinitas posibilidades. Por esto, Miles Davis es considerado por muchos como el Picasso del Jazz; abrió nuevas directrices, nuevos caminos, nuevos estilos... Como por ejemplo el Jazz Fusion. A mediados de los '60 Julian Cannonball Adderley comenzó a realizar la música que fusionaba el jazz con el pop. A finales de los '60, Miles Davis con su álbum Bitches Brew, revela posibles influencias del compositor avant-garde Karlheinz Stockhausen; y el "Tony Williams Lifetime", usa instrumentos como la guitarra eléctrica, el bajo y el piano eléctrico para crear música que fusione el jazz con el rock y otros géneros. Más tarde, Herbie Hancock , Joe Zawinul , Jan Hammer y Chick Corea, comienzan a incorporar sintetizadores como el minimoog. También en los 70's se ve muy influenciado el jazz fusion con el grupo holandes "Focus", en donde se mezclan sonidos de jazz, rock, yodel ,y musica nativa de Holanda.
JAZZ-ROCK:
Jazz Rock es uno de los estilos que se desarrollaron en los últimos años 1960 y comienzos de los 1970. Enmarcado inicialmente dentro de una corriente más amplia, el Rock Progresivo, conformó su propio lenguaje y desarrolló varias líneas de características bien definidas. Los principales grupos radicaron en los Estados Unidos.
Bandas en USA: las bandas pioneras aparecieron en USA. En 1967, Al Kooper formó la que sería la mas importante de éstas, Blood, Sweat & Tears, aunque la más popular, y la que consiguió mejores resultados comerciales, fue el grupo Chicago, que se formó el mismo año, aunque editó su primer álbum un año más tarde que BS&T. En estos mismos años, aparecieron otras bandas importantes, como Chase (1969), Dreams (1970), Lighthouse (1970), aunque eran canadienses, etc... Algunas bandas que ya existían con anterioridad, como Electric Flag o The Flock, añadieron vientos a su formación alrededor de 1968, por la influencia ejercida por BS&T; y otras, como Rare Earth, aún con una sección de viento reducida, reclamaron su incorporación al género. Berendt introduce también en este sub-género al grupo Santana, especialmente a partir de su disco Caravanserai , a pesar de carecer de sección completa de metales.
Bandas en Inglaterra: los grupos ingleses, que habían supuesto el núcleo básico del rock progresivo, no fueron muy dados a las big bands de rock, y ello a pesar de su fuerte tradición de blues. Pero, al menos, es necesario recordar una banda muy interesante y que, realmente, tenía formación de big band: CCS, el grupo del pianista John Cameron, que editó su primer disco en 1971.
Desde otra vertiente totalmente diferente, músicos de jazz habían comenzado a introducir en sus discos bases rítmicas de tipo rock, especialmente a partir de las experiencias de Frank Zappa a finales de los años 60. El pionero, indudablemente, fue Miles Davis, que rompió el fuego con su disco Bitches Brew (1969). Una buena parte de los músicos de jazz que le acompañaron en esa grabación, generarían bandas de jazz-rock en los años siguientes: Chick Corea con su grupo Return to Forever, John McLaughlin y su Mahavishnu Orchestra, Joe Zawinul y el grupo Weather Report, Larry Coryell y Eleventh House, Tony Williams y sus Lifetime... Otros músicos de jazz, como Stanley Clarke y Pat Metheny, o de rock, como Jeff Beck, trabajaron en esta misma línea.
Ritmo: Aunque se siguió generalmente el tipo de compás cuaternario propio del rock, las líneas del bajo y la batería, recogieron modos típicamente jazzísticos, especialmente durante los solos.
Arreglos: Aunque en muchos casos los arreglos para las secciones de viento se limitaron a la armonización de los riff de guitarra clásicos del rock, en otros se produjeron verdaderos arreglos para voces instrumentales diferentes, al estilo de las bandas de jazz. La influencia en éstos, varió desde los claramente influenciados por el be bop, como en los primeros discos de BS&T, hasta los que tomaron sus raíces en las orquestas de swing, como en el caso de Chase. En algunos casos la influencia de las improvisaciones y arreglos colectivos del free jazz fue evidente.
Improvisaciones: aunque el concepto de solo ya era conocido y usado por el rock anterior a 1967, en el jazz rock se desarrolla de forma habitual, prácticamente en todos los temas, tomando en muchos de ellos un papel relevante e, incluso, principal respecto al tema vocal, al modo de la tradición jazzística. Ello exigió la presencia en las bandas de instrumentistas solventes, en algunos casos de muy alto nivel: Randy Brecker, Bill Chase, Chick Corea, Stanley Clarke, Lewis Soloff, Dave Bargeron, Wayne Shorter, etc.
A partir de finales de los años 1970, el jazz rock, como género o estilo específico dentro del campo del rock, comenzó a decaer. Frente a las grandes ventas que los grupos del género habían cosechado en los años anteriores, el mercado se decantó por las nuevas tendencias, especialmente el hip hop y el funk, o por las revisiones radicales de las esencias del rock, como el punk. Buena parte de los músicos que, desde el jazz, habían desembarcado en él, volvieron a sus raíces, y las big bands de rock desaparecieron.. Sin embargo, el jazz-rock tuvo una poderosa influencia en el pop británico de los años ochenta, en grupos como Haircut One Hundred , Blue Rondo o Sade, así como en el desarrollo del acid jazz y el blues moderno.
EL SMOOTH JAZZ:
El smooth jazz se desarrolló a partir de una reelaboración más comercial del legado que habían dejado los músicos de fusión, caracterizándose por el uso frecuente desintetizadores; por un ritmo ligero y sin pretensiones, de bases funky; por un sonido elegante y alejado de la racionalidad del bebop o de la energía del soul jazz o del funk; y donde el aporte general de la banda importaba más que cada uno de sus elementos por separado. Uno de los instrumentos más ampliamente asociados con este estilo es el saxo soprano, inspirándose en ejecutantes como Grover Washington, Jr., Wayne Shorter y Nathan Davis, junto con cierto acento de guitarra eléctrica, influenciado por artistas comoWes Montgomery y Grant Green.
Con derivados modernos —incluyendo el reciente jazz adulto contemporáneo— el smooth jazz ha logrado bastante éxito como formato para radio; sin embargo, desde 2007, la popularidad del formato al parecer comenzó a declinar en ese medio, siendo abandonado por algunas estaciones de renombre a lo largo de Estados Unidos, lo que contrasta con el fuerte apoyo que continúan brindándole sus aficionados en conciertos y venta de grabaciones.
JAZZ LATINO:
El termino Jazz, está asociado a una cultura: la negra y más exactamente a la cultura de los negros norteamericanos. Sus antecedentes se remontan a la época en que en las grandes plantaciones del sur esclavista, los esclavos se dedicaban a cantar para hacer más llevadera su penosa labor.
Desde los años 30, el auge de las grandes bandas en Cuba era un hecho indiscutible, y su presencia en la isla se había producido en la década anterior. De manera poco fortuita y más bien como el desarrollo lógico del espíritu del Jazz, las bandas cubanas se imponían a las contratadas en la isla, provenientes de Norteamérica, puesto que aquellas incorporan a su repertorio música cubana, especialmente danzones, boleros, canciones, como fórmula para acceder a la explotación de la música comercialmente.
El denominado Latin Jazz es una fusión de jazz con ritmos latinos en que se combina la improvisación del jazz con la percusión latina. Es también denominado como Jazz afro-cubano. Aunque algo eclipsado por la salsa durante los 70, el jazz latino siempre se ha mantenido presente y ha resurgido a niveles de alta popularidad en los últimos años. Las barreras que antes dividían la salsa y el jazz latino entre "música bailable" y "música para escuchar" se han rápidamente desgastado, y audiencias a través del mundo han reconocido y apreciado ambos géneros aun mucho más.
El bop evolucionó muy rápidamente durante la década de los cincuenta y algunos músicos (George Russell o Charles Mingus entre ellos) desarrollaron, a partir de los conceptos de intuición y digresión que había anunciado la música de Lennie Tristano, formulaciones similares a las que ya se habían dado en la música clásica en los años veinte, con la irrupción, por ejemplo, de la atonalidad en el jazz de los años sesenta. Está generalmente aceptado por la crítica que, al margen de los antecedentes ya citados, el free jazz toma carta de naturaleza en 1960, con la publicación del disco homónimo de Ornette Coleman y su doble cuarteto, que supone una revoluciónestilística en el jazz, pero "no solamente eso, sino una puesta en crisis, una relectura y una superación virtual de todo lo que había sido el jazz, cuestionando los fundamentos socio-culturales tanto como su desarrollo histórico". Coleman había ya editado anteriormente algunos discos que anticipaban esta explosión, como The Shape of Jazz to Come o This Is Our Music, ambos para Atlantic Records.
El free jazz prescindió de elementos hasta entonces esenciales en el jazz, como el swing, el fraseo o la entonación, abriéndose además a influencias de músicas del mundo y politizándose de forma muy ostensible.En los primeros años sesenta se asistió a una, aparentemente, irresistible ascensión del free jazz que, paralelamente, recibió una ingente cantidad de rechazos resumibles en una sola frase: «Esto no es música». Críticas que, por otra parte, provinieron no solo del público o de periodistas especializados, sino de músicos de jazz, como Roy Eldridge o Quincy Jones. A mediados de la década, prácticamente todos los músicos jóvenes de jazz estaban influidos por el "free". Cecil Taylor,Eric Dolphy y Don Cherry fueron los principales iniciadores de esta línea, pero a ellos se sumaron Carla Bley, Mike Mantler, Muhal Richard Abrams, Dollar Brand, Anthony Braxton, Marion Brown, Jimmy Giuffre, Eddie Gomez, Charlie Haden, Steve Lacy, Yusef Lateef, Gary Peacock, Sun Ra, Archie Shepp, Sonny Sharrock, Manfred Schoof, John Surman, entre otros. A mediados de la década, el free jazz se había convertido en una manera de expresión ricamente articulada que abarcaba todas las temáticas y comandaba todas las vías de desarrollo del jazz. Sin embargo, a partir de 1967 comenzó a apreciarse una clara recesión del favor del público respecto del free jazz.
El nacimiento formal del movimiento cool tuvo lugar en 1948 con la publicación del álbum Birth of the Cool de Miles Davis, todo un manifiesto autodefinitorio y una de las grabaciones más influyentes de la historia. El nuevo estilo se derivaba directamente del bebop, pero resultaba una música más cerebral, que tenía como principal objetivo el establecimiento de una atmósfera "calma" y "meditativa". El cool jazz resultó particularmente popular entre músicos blancos como Lennie Tristano, en parte por su alejamiento de las raíces africanas del jazz, pero también encontró un hueco entre las preferencias de músicos negros que estaban pasando de ser simples entertainers a adoptar un papel más activo y serio en la búsqueda de su identidad musical.
Miles Davis, quien había comenzado su carrera con Charlie Parker, dio inicio al movimiento con Birth of the Cool (1948), el primero de una serie de álbumes -Walkin (1954), Miles (1955), Cookin',Relaxing, Working o Steaming, todos de (1956)- que sentaban las bases del estilo. The Modern Jazz Quartet -originalmente la sección rítmica de Dizzy Gillespie, integrada por Milt Jackson, John Lewis, Percy Heath y Kenny Clarke- publicó Modern Jazz Quartet with Milt Jackson (1953), Modern Jazz Quartet Volume 2 (1953), y Django (1956), donde presentaban sus elegantes composiciones, en el límite entre lo barroco y lo jazzístico. Gunther Schuller fue el iniciador oficial del third stream, una corriente que establecía un puente entre lamúsica clásica y el jazz, que tiene como ejemplo paradigmático su Jazz Abstractions (1959), y que cuenta también entre sus principales representantes a Bob Graettinger. Gil Evans produjo Gil Evans and Ten (1957), Out of the Cool (1959), o Into The Hot (1961), Bill Evans -junto a Scott LaFaro y Paul Motian- introdujo un nuevo sonido en el trío de jazz influenciado por la música clásica europea, y George Russell sobresalió como intérprete de temas modales. Otras figuras destacables fueron el vibrafonistaTeddy Charles, el pianista Ran Blake o la imaginativa cantante Betty Carter.
HARD-BOP:
Como reacción ante el intelectualismo del bebop, los músicos del hard bop reivindicaron el retorno del jazz a sus orígenes, con especial acento en la energía y la espontaneidad de la música. El elemento rítmico quedaba reforzado, y los solos, derivados del lenguaje de los músicos bebop, adquirieron más fuerza y vitalidad, conformando una música agresiva e intensa. De hecho, el adjetivo "hard" (duro) tiene en esta expresión la connotación de "intenso". Tuvo especial incidencia entre los músicos de la Costa Este, y está especialmente vinculado a los músicos negros de las ciudades de los Grandes Lagos, como Chicago o Detroit. A ellos, "les gustaban las improvisaciones a pleno pulmón, los sonidos cálidos, las frases de ángulos puros, los ritmos explosivos". Para muchos autores, el hard bop fue una relectura del bebop "en pro de una vía que se abría a la prosecución de una tradición ininterrumpida en la que las raíces más profundas seguían teniendo un peso específico importante".
